Antonio Pedretti (1950) - Bianco lombardo

Antonio Pedretti : technique mixte sur carton épais format 50x35 authentique sur photo, le cadre n'est pas inclus.

Antonio Pedretti est né le 2 février 1950 à Gavirate, dans la province de Varese. Sa formation s'est déroulée d'abord à l'école de peinture du Château des Sforza, puis à l'Académie de Brera qu'il abandonna en 1972. Entre-temps, à l'âge de seize ans, il avait déjà monté sa première exposition personnelle à la Galerie Ca' Vegia. à Varèse avec des œuvres peintes à la spatule dans lesquelles des paysages, des fermes, des fleurs, des arbres, des eaux stagnantes étaient représentés avec un certain sentimentalisme et une capacité technique précieuse et précoce, ce dernier étant un sujet qui restera une constante dans la carrière de l'artiste.

Après avoir participé à quelques expositions collectives, parmi lesquelles on se souvient du Prix National Varese Arte, il commande en 1970 une deuxième exposition personnelle à la Galerie Ghiggini de Varèse avec des nus qui rappellent certains signes doux d'un De Pisis ou d'un Bonnard, et avec une série de paysages dédiés à la Sicile. Gian Franco Maffina écrit dans le catalogue : « Lui, toujours les yeux pleins de la tendresse humide de cette terre lombarde, se sera certainement étonné devant la beauté violente de notre Sud, la lumière aveuglante de ses murs desséchés par un soleil implacable et sel de mer, à ses plages éblouissantes, à sa mer ondulée par le vent chaud d'Afrique et vous pouvez ressentir ce trouble presque étonné dans ces villages côtiers où le silence n'est rompu que par le piaffement d'un âne ou l'appel de la berceuse orientale de le vendeur ambulant'. Deux ans plus tard, il expose à la Galerie L'Angle aigu à Bruxelles, obtenant un accueil critique flatteur dans la presse belge. Renato Guttuso le présente : « Cher Pedretti, bien que tu sois très jeune, ton travail offre déjà certains éléments pour juger de tes talents hors du commun. On ne peut qu'être frappé par la certitude avec laquelle votre signe, vos notes de couleur définissent un paysage, une figure, un tout dans ses traits essentiels ; de l'attitude avec laquelle votre dessin a la capacité de pénétrer la forme, de l'étudier avec précision, sans tomber dans une analyse académique méticuleuse. Aujourd'hui, votre travail est à un point très sérieux, et il me semble que vos peintures récentes contiennent des éléments nouveaux par rapport au bonheur et à la facilité de vos peintures précédentes. Il y a la conscience d'un nouvel engagement et de nouvelles difficultés. C'est la prémisse d'un bond en avant.

À ce stade, après une exposition sommaire à la Galerie Ghiggini, commence pour l'artiste une pause de réflexion, une période de réflexion pendant laquelle il se retire de l'activité publique pour un travail de recherche silencieux et réfléchi, passe en revue ses expériences artistiques vécues jusqu'à présent et les remet en question.

Les premiers résultats de cette phase expérimentale isolée sont une série de paysages imaginaires composés uniquement de vagues et de nuages errants et fixés dans des atmosphères suspendues remplies de lumière vive. C'est le geste, à la manière de Pollock, qui prend de l'importance dans ces œuvres de la seconde moitié des années 1970, un geste large et détendu qui permet à la matière picturale de s'étendre et de se froisser, de briller de couleurs vives et de dessiner des traits allusifs. textures. Il peint ces images « informelles » sur des feuilles de PVC ou de plexiglas et les enferme à l'intérieur en stratifiant les matériaux et en utilisant également des résines. Dans la présentation de l'exposition Ashes in Reaction, organisée en 1982 au Luogo di Gauss de Milan, Viana Conti voit ces choix comme un point de départ : « Le peintre, après s'être déchaîné dans les grandes dimensions et après avoir démontré qu'il pouvait envahir le monde, retisse un espace de jeu et d'analyse et recommence à parler derrière un voile. Le seuil au-delà duquel il répète ses gestes picturaux est celui de la transparence d'une feuille de plexiglas. Mais cette plaque est là pour créer une distance, pour toujours fonctionner comme une fenêtre, un point focal du regard. La liberté de l'artiste, dans ses œuvres récentes, n'est pas recherchée dans l'extension maximale des bras, dans le cri à pleine gorge, mais dans une succession de petits gestes et de modulations de voix. Cette pensée de la limite qui devenait auparavant angoissante, devient réalisable pour cet artiste, alors qu'elle n'est même pas une condition pour donner une continuité au discours artistique. L’idée de fragment, s’affranchissant d’une connotation ruineuse, recrée une condition de départ pour la construction non plus du monument du passé, mais d’un document présent.

Dans l'œuvre de Pedretti, il est possible de retrouver une mémoire d'origine informelle, qui au fil du temps s'est vidée de ses significations et de ses valeurs, trouvant dans la familiarité avec la matière et les couleurs... des impulsions magiques et ludiques.

Pour Marco Meneguzzo, cependant, avec ces œuvres, l'artiste se situe à la frontière au-delà de laquelle la peinture envahit d'autres territoires : « Il ne fait aucun doute que la peinture de Pedretti est une peinture de paysage - et ce qu'il doit à un certain naturalisme lombard n'est certainement pas clair. caché-; ce qui est surprenant aujourd'hui, c'est plutôt que ce paysage se veut un paysage de nature et non, encore une fois, un paysage d'art. Il ne s'agit donc pas de son opération « maniériste », même si on peut aujourd'hui échapper au maniérisme – qui n'emprunte sa raison d'être qu'à l'art. Position risquée à soutenir, mais audacieuse et, paradoxalement, nouvelle : comme si une confiance positive en soi et dans les moyens de peindre pouvait avoir la force subversive de renverser des tendances et des orientations, qui montrent certes quelques symptômes de fatigue, mais qui semblent encore sans alternative. Non pas le croisement des images et de l'histoire de l'art, non pas l'analyse et le tourment des outils ultimes de la peinture, mais un référent à la fois ancien et nouveau, une tentative de revitaliser et de renouer les fils peut-être pas totalement coupés avec un certaine tradition, surtout de nature romantique. Les transparences que Pedretti obtient grâce à des moulages répétés de résine et de peinture sont des transparences qui peuvent même rappeler les ciels de Tiepolo, mais aussi un ciel lombard « si beau quand il fait beau ». Un autre naturalisme ? La question est aussi vieille que la peinture... » (présentation dans le catalogue de l'exposition personnelle à Luogo di Gauss, Milan, 1983).

Et en fait, la question du naturalisme est centrale chez Pedretti, comme le démontrent ses autres résultats.

En effet, après avoir abandonné, à partir du milieu des années 80, les ambitions de l'avant-garde contemporaine, elle revient dans une certaine mesure à ce sens de la nature des origines, à des évocations lyriques de paysages, soucieuses cependant des gestes informels et surtout toutes les leçons de trois grands maîtres comme ceci :
Gendarme, Segantini et Morlotti. Des deux premiers, on retrouve dans les images de Pedretti l'utilisation savante des balayages chromatiques et la grande capacité à structurer l'ensemble par des jeux de clair-obscur ; du troisième, apparaît évidente la relation - dirions-nous - terrestre avec la matière, qui tend de plus en plus à se solidifier et à acquérir de l'épaisseur. Ce ne sont sans doute que des références culturelles, les bases solides sur lesquelles reposent les constructions picturales de Pedretti, qui s'appuie sur des sensations visuelles, mais surtout recrée en atelier sur le fil de la mémoire des visions déjà déposées dans son imaginaire depuis l'enfance, qui surgissent et ils s'accumulent à chaque expérience. Et si au début il offrait de larges panoramas de paysages lacustres, d'herbes des marais et de roseaux, il semble désormais s'y plonger, dans un rituel à saveur symbolique.